大约4年前，写过一次这个话题，现在有了新的体会，决定重新再写一次。
关于吉他音色的讨论，大多都是围绕着右手的触弦方式，我想从其他的角度来谈，
我把它分为三个部分，分别是音色的概念、在吉他上的应用和演奏者的个性。一个声音的音色，在物理上是由它的泛音来决定的，泛音的多寡，决定着这个声音的特性，同样是C音，我们可以分辨出这是吉他的声音，那是小号的声音，而这是钢琴的声音等等…..

用物理的角度去解释音色，显得很冰冷、僵硬，如果从音乐的角度，那音色就会被赋予不同的意义和修辞，比如透明的、干净的、亮丽的、有穿透力的、尖锐的、沉闷的…..，似乎音色就像是画家的颜料，经由音乐家的挥洒，音色也具有了个性。

对于画家来说，很难回答那种颜色是好的还是坏的，合理的解释是什么样的颜色适合什么样的题材，画一朵向日葵，正常来说当然是用鲜艳的颜色，除非画家的心境郁闷，这朵美丽的花在他看来是灰色的。可是对于学音乐的人来说，时常会讨论音色的优劣问题，这也是事实，因为不当的弹奏方式或者制作粗糙的乐器，会使演奏出来的声音难以入耳。 可是假设当以上两个问题都获得解决时，那么音色对于学音乐的人来说，还有更多的意义吗？

有的，在音乐中，音色需要对比和个性，个性的问题容后再述。 大多数音乐作品在完成时，作曲家应该已经预想到整体的形象，包括乐器的配制，和声的运用及结构的松紧等等，剩下的就看演奏者如何诠释，就像漫画家把漫画的线条画好，接下来就是上色和色彩浓淡的运用了；一个演奏者要掌握不同的“发声法”，拥有即使弹同一个音符也能弹出各种色彩的能力，音乐的色彩是看不到的，全凭听觉上的感觉，明亮或阴暗，饱满或松散，圆润或尖锐，这是手指的训练，也是耳朵的训练，学声乐的人无法看到身体内部的器官，只能由老师的引导和自我的判断，逐渐掌握发声的窍门，对于学器乐的人来说，能看到肢体的动作是如何在影响着声音，已经是非常幸运的，可是也因为如此，我们时常会忽略了对耳朵的锻炼，反而吹毛求疵的去要求肢体上的动作。 所以在学习掌握良好的弹奏方式时，同时也应该开发自身的耳朵，也就是听觉上的分辨能力，在演奏音乐时能表现出缤纷多样的音色，让音乐生动起来，当然，干净的声音是首先必须学会的，虽然有些现代音乐并不要求完全干净的声音。

耳朵的训练也包括多听，听各种乐器，包括人声的音乐，听各个时代不同的音乐风格，听各种编制的乐器组合以后的效果，听各个地区不同民族的音乐，让脑海中留下印象，当我们抱起手中的吉他时，开始发挥想像力，弹塔雷加的《茶花女主题幻想曲》时，想像手中的吉他是位声乐家，歌唱优美的旋律；弹巴赫的《小步舞曲》时，想像手中的吉他是部大键琴，有着金属般清新的音响；弹朱里亚尼的《大序曲》时，想像手中的吉他是一组管弦乐团，有着各种乐器的丰富色彩…..  这是学习音乐很重要的一部分，当我们把所谓的“技巧”都掌握了以后，回过头来才发现这部分的学习太少了，对于喜欢吉他喜欢音乐的人而言，弹琴和听音乐都应该成为生活的一部分，而且拥有同样的比重。

现在来谈谈音色在吉他上的应用问题，首先是硬体部分，按理来说影响吉他音色的主要因素应该是乐器本身和使用的琴弦，这是“先天性”的因素，同一个人弹不同的琴，我们可以分辨出每把琴的区别，可是同一把琴给不同的人弹，也会有不同的感觉，就像Matthias Dammann制作的吉他，给Manuel Barrueco和David Russell使用，出来的声音竟是南辕北辙！曾经有一位小提琴家在同一场音乐会中使用了好几把小提琴，理由是每把琴的音色不同，适合的音乐风格也不同，我想除非是职业演奏家或是乐器收藏家，否则很难有此待遇吧，所以这里先把硬体部分的影响因素排除，来谈谈演奏方式对于音色的影响，右手的触弦时常被视为最关键的部分，有很多讨论触弦法的好文章，已经深入地对此分析过了，但我觉得这些文字性的分析，适合已经有一定基础的学习者，不适合初学者。所谓有一定的基础，是指己经能够将听觉和肢体配合在一起，听觉上要求的声音，能够透过肢体的反应表达出来，如果不行，也能透过文字的叙述和观察自身的动作，找到想要的声音，这表示耳朵已经有了明确的仲裁权。对于初学者，我认为直接找老师求教才是最好的方法。
除了右手的触弦，左手的按弦也是影响音色的重要关键，称为“运指法”，也就是把位的安排，当然，想要有干净的音色，首先得把弦按紧，如何施力，方法很重要。我不太喜欢用“按紧”这个词，理想的按弦状态应该是place (放置)，而不是push（施压），按弦需要的力气是以能够弹出声音的前提下，所需的最小力气，只要声音能够清楚的发出来，左手再用更多的力气去按弦，就是浪费力气，结果会导致手指手腕僵硬，影响移动的效率。

而“运指法”所牵涉的范围更接近表达音乐的内容，同一个音在不同的把位弹出，效果不同，如何设计把位和指法，时常困扰着演奏者，因为有些把位上的设计虽然难弹，但这是基于音乐上的需要，再难也得克服，有时谱面上的把位设计是刻意的卖弄舞台效果（造成手指上下飞跃的奇观），其实可以适当的简化。

从塔雷加（1852～1909）开始到之后的吉他音乐，乐谱上通常都已标明重要的左手指法，包括把位。因为自从制琴家Antonio de Torres (1817~1892)将吉他的有效弦长定为65公分后，吉他的外形才定案，Torres制作的吉他也成为现代吉他的制作典范。换句话说，在Torres之前的吉他外形是五花八门，用现代的吉他去弹奏那时的吉他音乐，会遇到很多指法上的问题，有些在当时的吉他上很好弹的指法，对于体积更大的现代吉他来说，手指需要更多的扩张，而再往前推，就会推到甚至“吉他”都还没出现的时代，现在的所谓文艺复兴或巴洛克时期的吉他名曲，其实都是改编曲，既是改编，就存在“版本”的问题，优秀的改编版本，演奏出来的效果会比较忠实于当时的音乐风格，不至于添加一些奇怪的和声或声部。 对于演奏者而言，此时的作品谱面上比较干净，还留有很大的空间，考验着演奏者的深度，要求演奏者深入的分析并决定运指法。

从索尔和阿瓜多等人的时代开始，古典吉他进入一个黄金时期，作曲者本身同时也是演奏者，对于自己弹奏的乐器性能非常了解，设计了适合吉他的演奏技术并创作了大量的吉他乐曲，但在那时，他们使用的都还不是现代的吉他，尽管如此，他们的音乐用在现代吉他上演奏已是非常合适，只是那时的音乐更注重的是一种普遍的风格，我们称其为Classical period“古典乐派时期”，而不是强调乐器本身的特性，所以演奏这个时期的音乐，时常要发挥想像力，要把吉他当作是一组管弦乐团或弦乐四重奏来驱使，音色的变化就显得极为重要，在把位设计上仍有许多空间。

自从Torres吉他的出现和音乐审美观的转变，吉他音乐家们开始在定型的吉他上不断开发新的空间，看看塔雷加的乐谱，就会发现他本人在把位和运指的设计上是如何高明，从他本人的封号“现代吉他之父”中就可以看出他对现代吉他音乐的影响，经过他的设计，吉他所发出的声音具有了真正属于“吉他”的个性，使人一听就知道：这是吉他！

到了近现代，音乐家们对开发吉他音乐兴趣的重新燃起，出现了三种趋势：
一．自身同为演奏者和作曲者，在熟知乐器性能的条件下，不断开发新的演奏和音响效果，这种音乐的乐谱通常都已布满了密密麻麻的指示和钜细穈遗的指法，只要照做，就能大致表现出作曲者的期望，留给演奏者的空间相对早期的吉他音乐来说更小。
比如Leo Brouwer，Nikita Koshikin和 Roland Dyens等人.

二．作曲者本身不会弹吉他，凭着才华和灵感替吉他谱曲，由于对吉他的性能不如演奏者那么了解，反而会把重心放在音乐的内涵上，创作出具有深度的音乐，最终需要用“吉他”来表现，他们的乐谱通常都需要经过吉他演奏家的“翻译”，所以虽然是吉他曲，但已经过适当的改编，对于演奏者来说，选择版本也很重要，有时还得自己动手改指法，因为不同的演奏家有自己的演奏习惯，他设计的运指法不一定适合每个演奏者，当然在改编之前，最理想的状态是能够找到作曲家本人，在他面前弹奏并交流意见，确定自己的改编没有脱离他对这部作品的期望。这样的作曲家有 Joaquin Rodrigo，Mario Castelnuovo-Tedesco和Astor Piazzolla等等。

三．干脆改变吉他的外形，用“另类“的吉他来开发新的声音，比如Narciso Yepes的十弦琴，Paul Galbraith的八弦琴和Göran Söllscher的十一弦琴，他们的吉他的确和传统吉他的声音不太一样，想要弹出他们的音色，除非先去买一把……..

以上就是音色在吉他的应用，除了右手的触弦和左手按弦的方式，我想强调的是，一个弹吉他的人对于自己所弹奏的乐曲，在指法和把位设计的问题上，应该要很认真地对待，因为一个演奏者所安排的运指法，几乎可以代表他对音乐的见解，运指法影响着音色，影响着音响效果，影响着音乐的整体面貌。

最后谈谈演奏者的个性，当我们在听唱片时，时常会被某一个演奏家的琴声所吸引，每个演奏家的琴声都有他们的特点，有时我们会试着去模仿，看自己能不能弹出他们的音色。

其实这个问题如果放在学声乐的人身上，就很困难了，每个人先天的嗓音就不同，有人天生就是男高音，有人天生是男低音，怎么模仿呢，除非先天的嗓音已经颇为接近，否则强迫自己去模仿的结果都是声音做作。不仅嗓音的条件不同，每个人的手指条件也不相同，有的人手指粗短，有的细长，有的指甲薄脆，有的指甲厚实，这些也都影响着每个人在先天上就拥有不同的琴声。John Williams曾经说过，古典吉他的市场只能容下10个职业演奏家（原话大致是这个意思），也就是说，全世界只有10个弹吉他的人，能够只靠演奏来谋生，其他演奏家除了演奏，还需要其他的活动才能养活自己，当John Williams说这话时，古典吉他的发展和现在已经大不相同了，现在有更多的职业演奏家，但是要成为一名“演奏家“，需要什么条件呢？除了经纪公司这种商业因素外，我认为“个性”是非常重要的，不是人格的个性（我们都是从唱片上去了解音乐家，很难有机会接触本人），而是音乐上的个性。以流行歌来作例子，你也许喜欢这个歌手的声音，不喜欢那个歌手的声音，但是你都知道他们的歌声，很多人不喜欢某个歌手，但是当音乐响起，大家都知道这是他唱的，流行歌手的嗓音如果特别，容易被听众记住，那他在市场中就能够占有一席之地，哪怕他的歌声很做作！

一个古典音乐家的音乐也需要个性才会吸引人，从音色的角度来看，目前公认能够把古典吉他的音色表现的圆润甜美的，David Russell算是个中翘楚，如果以他的音色标准来衡量Julian Bream的音色，那Julian Bream的音色一定是不合格的，但这样的比较并没有意义，而且在个人先天手指条件本不相同的前提下，每个人的音色本就不同。 一个演奏者在找到属于自己的声音之前，要经过一个漫长的过程，克服先天的条件和掌握触弦的技术，加上对音乐的理解，最终形成一个整体的音乐形象，当我们在听唱片时，其实不光是被演奏家的琴声所吸引，更重要的是演奏家对音乐的诠释和表达，留在我们脑海中的，实际上是一个整体的形象，而不光是单单几个音符的色彩。 于是，我们可以分辨出，这是Segovia弹的；这是Pepe Romero弹的，而那是山下和仁弹的！

音色的问题，单从物理性质来论析，是很单纯的或是数据化的，若从音乐的角度来看，就应该和音乐的内涵结合在一起，想像一下，弹奏古典吉他的人，如果哪天像弹电吉他的一样，有厂商发明了“塞歌维亚效果器”或“大卫罗素效果器”，接上你的吉他后就能弹出这些大师们的音色，那该有多好！可是表现音乐决不是用单纯的音色问题可以解决的，整体的音乐形象需要演奏者对音乐的理解，让自身的音乐拥有个性，吸引听众，吸引更多的人爱好音乐，陶醉在音乐之中……….

作者倪本初介绍：
1975年生于台湾省台北市 祖籍 福建省建阳市
1990年起师从台湾吉他名家庄维仁（现任台湾龙门吉他市内乐团指导），学习古典吉他
1991年至95年期间就读台北世界新闻传播学院，在校曾任吉他社教学干部及学生合唱团指挥
1995年至97年入伍服役
1997年随全家迁居故藉福建省
1998年在建阳市成立建阳典雅音乐社，开始在当地推广吉他艺术，教授古典与民谣吉他。
1999年参加上海首届全国吉他师资研修班，结识青年吉他演奏家高艺，陈华亮，此后即时常合作在上海的大学院校举办讲座及音乐会
同年起师从台湾吉他演奏家，现任上海音乐学院教授叶登民。
2000年参加由中华人民共和国教科司，上海音乐学院和吉他之友在福州举办的全国吉他大赛，获三等奖。
同年起担任福建省吉他协会常务理事，福建省吉他考级评委，并在省内外多次举办个人独奏会及学生音乐会。
2002年参加香港国际吉他大赛，进入准决赛阶段的比赛。
2006年底赴上海发展

曾参加过福田进一，费尔南德兹的大师班，获得好评。
在闽期间，不遗余力的推广吉他音乐，所教学生也分别在省级与全国级别的古典与民谣比赛中获奖。